Les œuvres de Carlos Goldoni fascinent encore aujourd’hui.  Étant le père de la révolution comique, mais aussi le créateur de la comédie italienne, il est normal que son nom ait marqué l’histoire. 

La Locandiera est une pièce écrite par Goldoni en 1753.  Cette dernière illustre très bien la réforme théâtrale qu’a mise sur pied Goldoni.  Toutefois, elle consiste en quoi exactement cette révolution comique ?  C’est par le biais de quelques thèmes généraux dont la « biographie de Carlos Goldoni » et « La Locandiera » que ce présent document peut éclaircir cette question.  Évidemment, on ne peut pas parler de Goldoni sans aborder « la comédie », « l’Italie » et « les masques ».  Tous ces éléments ont joués un rôle clef dans le renouveau de la comédie créée par Goldoni.  En abordant sous différents angles chacun de ses titres nommés précédemment, il plus aisé de comprendre en quoi et de quelle façon Carlos Goldoni a marqué le théâtre de façon définitive et … comique.

Biographie – Carlo Goldoni

Goldoni est né en 1707 à Venise, une ville du nord de  l’Italie.

Dès son jeune âge, il fait preuve d’un tempérament joyeux et paisible.  Il démontre un  intérêt pour la lecture. Il porte même une attention particulière aux auteurs dramatiques.  Ses lectures l’amènent à écrire sa première pièce de théâtre, à l’âge de 9 ans.  Il s’agit d’une petite comédie destinée au théâtre de marionnettes.

C’est dans la ville de Pérouse, au centre de l’Italie, qu’en 1719, Goldoni fréquente un collège dirigé par des prêtres Jésuites, que l’on considère comme étant des disciples de Jésus et surtout de bons chrétiens.  Par la suite, il va étudier la philosophie chez les Dominicains, qui se veut un ordre mendiant.  Ce qui signifie que : « cet ordre religieux dépend de la charité pour vivre ».[1]  Toutefois, après seulement deux ans d’études, il quitte Pérouse et il s’enfuit avec une troupe de théâtre amateur qui se dirige vers la ville de Chioggia, située à environ 50 kilomètres de Venise dans la partie nord-ouest de l’Italie.  Goldoni a l’intention d’aller rejoindre sa mère qui habite à cet endroit.

Grâce à l’aide de l’un de ses oncles, Goldoni fait un retour aux études.  Il se dirige vers la ville de Pavie afin d’étudier la jurisprudence à l’université.  Bien que Goldoni s’intéresse au domaine légal, il ne cesse pas pour autant d’écrire.  D’ailleurs, il est expulsé du collège pour avoir écrit une satire parlant des femmes de Pavie.  Il s’agit de la pièce Le Colosse.  Cette œuvre avait pour but de dérangé la délicatesse de plusieurs familles nobles de réputation.  Goldoni avait pris soin de ne pas écrire son nom à titre d’auteur.  Toutefois, la nouvelle s’est vite répandue qu’il en était bel et bien l’écrivain.  Son texte a été distribué par 4 de ses ennemis, dans presque tous les cafés de la ville.  C’est ainsi, que les autorités du collège ont appris l’existence de cette pièce de théâtre.

Les années se succèdent et Goldoni change constamment d’emploi.  Pendant les 40 premières années de sa vie, il a l’occasion de pratiquer plusieurs métiers : fonctionnaire de la justice criminelle, avocat à Pise, consul de Venise à Gênes et directeur de théâtre.  Durant cette longue période de sa vie, Goldoni écrit très peu et il voyage beaucoup.

Puis, le vent tourne.  Il rencontre un homme nommé Medebac, cet homme est le directeur du théâtre Saint’Angelo (Annexe 1) de Venise.  Il propose à Goldoni de devenir l’auteur officiel de la troupe de comédiens qui jouent dans son théâtre.  Goldoni saisit enfin cette chance de vivre son véritable destin : devenir un véritable auteur dramatique.  En acceptant la proposition de Medebac, cela lui permet aussi d’abandonner son mode de vie nomade.  En ayant maintenant tout son temps pour écrire, Goldoni écrit de manière prolifique.  En 20 ans, il produit plus de 220 pièces de théâtre.  De plus, la plupart d’entre elles sont de véritables petits chefs d’œuvre.

 À force d’écrire, Goldoni découvre son genre d’écriture.  Il s’agit de la comédie : « Ses pièces purgées des traditionnelles grossièretés, se plaisent à caricaturer la vie quotidienne vénitienne. »[2]

On ne peut passer sous silence le fait que Goldoni se soit grandement inspiré de la commedia dell’arte afin de nourrir son art.  Dans sa pièce Arlequin, serviteur de deux maîtres, écrite en 1745, on reconnait le fameux personnage masqué, traditionnellement associé à la Commedia dell’arte.

Mais Goldoni désire pousser l’art de la comédie, à de nouveaux sommets.  Il ne s’en tient pas à écrire des pièces de théâtre influencées par des canevas de commedia dell’arte.  Il veut pousser plus loin le jeu des comédiens.  Il ne veut pas que les acteurs se contentent de faire rire leur public seulement par le jeu physique et acrobatique.  En fait ce qu’il veut c’est faire de la comédie Italienne un nouveau genre de théâtre, ouvertement inspiré de la comédie française du XVII è siècle.

Pour Goldoni, Molière est une grande source d’inspiration.  Il veut, par sa révolution comique, se rapprocher d’un style égalant celui de Molière.  C’est ainsi que : « d’abord fidèle à la tradition, Goldoni va petit à petit parvenir à supplanter les pièces à canevas par des pièces écrites de bout en bout, retirant les masques des acteurs et composant de véritables comédies de caractère. »[3]  Soit dit en passant, il publie même en 1750 une pièce de théâtre intitulée Il teatro comico.  Cette pièce expose les idées principales que chérit Goldoni dans sa fameuse réforme théâtrale.  On y retrouve deux types des personnages, les comédiens partisans de la révolution comique de Goldoni, et les autres, les comédiens qui restent attachés aux vieilles méthodes anciennement utilisées en comédie.  En fait, les spectateurs qui assistent à cette pièce de théâtre peuvent observer et même découvrir les tensions que peuvent vivre des comédiens en répétition.

Par la suite, Goldoni a beaucoup de succès.  Ses pièces sont remarquées et suscitent beaucoup de réactions.  Certaines personnes ont plutôt une mauvaise opinion de Goldoni.  C’est d’ailleurs pour cette raison que le nom de Carlo Goldoni est souvent associé à une vieille chicane le reliant à Carlo Gozzi.

 Le comte Carlo Gozzi est né la même année que Goldoni.  Il est lui aussi italien et surtout, auteur dramatique et homme de lettres.  Gozzi fait tout en son pouvoir pour ternir l’image de Goldoni.  Il dénigre sans aucune pudeur toutes les œuvres écrites par Goldoni.  Selon lui, Goldoni et la révolution comique vont peu à peu ternir l’image du théâtre qui sévit en Italie depuis plus de 3 siècles.  À ses yeux, il est inconcevable qu’un auteur puisse venir abolir ce à quoi toute une société s’associe depuis si longtemps.  Selon lui, les traditions devraient durer et surtout résister à la réforme de Goldoni.

Pour se faire, il veut séduire le public et prouver que les représentations données par la troupe de Goldoni sont tout à fait inintéressantes.  Pour ce faire, il décide de mettre en scène de vieux contes populaires.  De plus, les comédiens pratiquant le jeu masqué sont presque tous libres, Goldoni ayant aboli ce type de jeu dans ces pièces de théâtre.  Gozzi en profite donc pour aller chercher les meilleurs et les faire jouer dans ses différents spectacles.  C’est la pièce L’amour des trois oranges qui donne de la crédibilité à Gozzi.  La représentation qu’il en fait avec les acteurs de la troupe Sacchi est un véritable succès.  Les comédiens y sont excellents et jouent comme on le fait dans les comédies italiennes anciennes, en adoptant le style commedia dell’arte et en portant le masque.  À partir de ce jour, commence une guerre acharnée entre les deux auteurs.  Chacun de son côté tente de prouver que son style est le meilleur.  Il est sans cesse question de valeur linguistique et de valeur théâtrale traditionnelle.

Il va sans dire que cette petite guerre d’opinion est très éreintante.  Épuisé par tout ce tapage et surtout, excédé de cette rivalité entre lui et Gozzi, Goldoni trouve le réconfort en acceptant une invitation.  Celle-ci consiste à aller soutenir la comédie italienne qui œuvre dans la ville de Paris.  La comédie Italienne est en mauvaise posture là-bas.  Il décide d’accepter.  Il part donc en France laissant tout derrière lui, surtout les malentendus avec Gozzi.  Il y reste pendant deux ans.  Par la suite, il obtient un poste de professeur d’italien à la cour du roi Louis XV.  À cette époque, il commence à écrire en français.  D’ailleurs la pièce Le Bourru bienfaisant est rédigée dans la langue de Molière.  Elle reçoit un succès tardif mais certain.  En 1787 Goldoni commence la rédaction des ses propres mémoires.  Ces dernières sont rédigées en trois volumes, où Goldoni manifeste clairement une grande gratitude envers la France.  Il fait d’ailleurs une dédicace au roi pour le remercier de l’avoir accueilli à la cour.

Finalement, en 1792 l’assemblée législative prend la décision d’abolir toutes les pensions de la cour royale.  La révolution française est bien installée.  Déjà très malade et ayant terminé la rédaction des ses mémoires, Goldoni n’a plus aucune aspiration.  Étant un octogénaire sans le sous, il meurt dans un pauvre petit appartement miséreux en février 1793. 

Deux des plus grandes œuvres laissées par Goldoni sont La villégiature[4]  et dans le cas qui nous intéresse La Locandiera.

La Locandiera

La Locandiera, l’une des pièces les plus connues de Goldoni, a été écrite en 1753.  À l’époque, Goldoni a 46 ans.  Il est dans une période de sa vie où la création prend beaucoup de son temps.  En acceptant le poste d’auteur principal pour le théâtre de Saint‘Angelo, il se fait officiellement reconnaître à titre d’auteur dramatique.

La Locandiera raconte l’histoire de Mirandoline, une jeune et belle aubergiste.  Elle est une femme aux multiples facettes.  Elle est à la fois une « chef féministe » mais aussi une doucereuse et coquette aubergiste.  Elle sait savamment utiliser ses charmes et ainsi faire jaillir maints et maints rebondissements.  C’est autour de ce personnage que Goldoni a créé La Locandiera.  Mirandoline accueille sous son toit plusieurs passants cherchant un endroit pour passer la nuit, même pour s’installer quelques jours.  Les personnages qui gravitent autour de Mirandoline sont majoritairement des hommes.  Il y a le Marquis, un homme ayant un titre intéressant à son nom, mais il presque perdu la totalité de ses richesses.  Toutefois, il tente comme il le peut de séduire la belle Mirandoline.  Les belles paroles sont sa première arme pour tenter de lui voler son cœur.  Grand rival du Marquis, le Comte ne donne pas non plus sa place.  Le Comte, tout comme le Marquis sont des habitués de l’endroit.  Le Comte quant à lui tente de séduire Mirandoline en lui proposant plusieurs cadeaux.  Ayant une fortune considérable, il aime gâter son hôtesse, et par le fait même, il peut gentiment agacer le Marquis qui lui de son côté n’a presque plus rien dans ses poches.  Avec son argent, il croit pouvoir tout obtenir.  D’ailleurs il s’est lui-même acheté le titre de comte.  Un des personnages les plus grandiloquents de la pièce est le Chevalier.  C’est homme est de passage à l’auberge.  Il aime dire à qui veut bien l’entendre qu’il n’aime pas les femmes; il les trouve sans intérêt et surtout ne comprend pas pourquoi ses confrères masculins sont parfois prêts à tout pour conquérir une femme.  Selon lui, aucune femme ne peut le faire changer d’opinion.  Toutefois, c’est bien ce que Mirandoline à l’intention de faire.  Elle veut faire reconnaître la gloire de son sexe aux hommes.  Elle entreprend donc de séduire le Chevalier, et ainsi rendre jaloux le Comte et le Marquis.  Par de savants manèges tous bien orchestrés, elle sait arriver à ses fins avec chacun d’eux.  Cette histoire met en scène un personnage féminin très bien conçu par Goldoni.  La Locandiera fait partie des pièces de répertoire de la comédie italienne.

On la qualifie de comédie « italienne » puisqu’elle a été créée par un italien mais surtout puisqu’elle correspond au nouveau genre de comédie qui a été créée dans ce même pays.  La Locandiera n’adhère pas au style de comédie que présente la commedia dell’arte; soit un jeu masqué et très physique.  Le jeu des comédiens devient moins brut et acrobatique.  Les comédies italiennes, sont les premières « comédies » provenant de l’Italie, où tout le texte a été préalablement écrit.  Il n’y a plus de place pour l’improvisation, et ce même dans les dialogues.  La comédie en tant que telle, est un genre comprenant plusieurs « sous-genre ».

La Comédie

La comédie est un genre théâtral et littéraire.  Si on remonte dans l’histoire, les premières comédies ont été écrites par un auteur grec nommé Aristophane.  Ce dernier, est considéré comme le père de la comédie.  Il est né au cinquième siècle avant Jésus-Christ.  Il commence à œuvrer dans le monde du théâtre lorsqu’il est jeune.  Au total, on compte 44 pièces écrites par Aristophane.  La plupart d’entre elles sont disparues avec le temps.  On ne les connait que par fragments.  Comme c’est le cas pour ses deux premières pièces intitulées Les Détaliens ou Les Banqueteurs et Les Babyloniens.  Seulement 11 pièces ont été retrouvées dans leur intégralité.  Aristophane est estimé comme étant un génie de son temps.

La comédie est donc née en Grèce.  La comédie est un style qui se compare par opposition à la tragédie.  La comédie est un genre qui se veut drôle et divertissant.  Les gens qui assistent à des spectacles comiques réagissent habituellement par le rire.  À sa naissance, la comédie sert souvent à dénoncer certaines injustices où à émettre certaines opinions plus ou moins réfractaires envers un gouvernement par exemple.  En quelque sorte, il s’agit de : « satire sociale ou de pamphlet politique ».[5]  D’ailleurs, c’est ce qu’à fait à maintes reprises Aristophane.  Inévitablement, la comédie a évolué à travers le temps.  Mais il n’en reste pas moins qu’elle sert encore aujourd’hui à faire rire le public.  C’est d’ailleurs un des effets recherchés par La Locandiera.  En écrivant cette comédie, Goldoni a réussi à divertir son public et à faire rire toute l’Italie.

L’Italie

« L’Italie (en italien Italia) est un pays d’Europe du Sud correspondant physiquement à une péninsule située au centre de la mer Méditerranée ainsi qu’aux deux plus grandes îles de cette mer, la Sicile et la Sardaigne.  Elle est rattachée au reste du continent par le massif des Alpes.

L’apport de l’Italie à la civilisation occidentale est immense : elle est notamment le berceau de l’Empire romain et de la Renaissance italienne.  Existant en tant qu’État depuis son unification (1861), elle est aujourd’hui une démocratie parlementaire solide, membre fondateur de l’Union européenne.  L’Italie reste un acteur majeur de la scène internationale, forte de ses soixante millions d’habitants, de la force de son économie (elle est la septième puissance économique mondiale) et de son rôle au sein de nombreuses organisations internationales (OTAN, UE, G8, OCDE). »[6]

Venise est une ville au nord de l’Italie.  Elle est aussi l’une des plus prestigieuses villes de ce pays.  C’est d’ailleurs à cet endroit qu’est né 1707 Carlo Goldoni.  En fait, Goldoni est né : « à Venise au moment où l’agonie politique de la cité s’accompagnait d’une renaissance artistique fulgurante.»[7]  Cette agonie se faisait sentir depuis longtemps puisqu’au : «  XIV^e siècle, Venise était le plus important port de Méditerranée, surclassant son ancienne métropole Constantinople.  Il lui fallut conquérir des terres sur la lagune pour étendre la surface urbaine de la cité.  Son déclin commença avec la progression turque en Méditerranée (qui la priva progressivement de toutes ses terres grecques, à l’exception des Îles Ioniennes, et de ses accès aux débouchés de la Route de la Soie) et s’accentua à cause du détournement du commerce européen vers les océans (découverte de l’Amérique). »[8]  Malgré tout, Venise a su maintenir : «  son rayonnement culturel, en devenant la ville européenne la plus élégante et raffinée du XVIII^e siècle, avec une forte influence sur l’art, l’architecture et la littérature ».[9]

À cette époque toute la ville, et ce incluant la maison de Goldoni, baignait dans un monde architectural gothique vénitien propre au XVIIIe siècle.  Tout comme c’était le cas pour les théâtres.  D’ailleurs au XVIIIe siècle, les théâtres vénitiens existaient  Ceci était une réaction économique due aux négoces marchandes expliquées précédemment.  L’histoire raconte même qu’au : « 18e siècle, à une époque où Paris comptait trois théâtres, Venise en comptait sept.  Deux d’opéra, deux d’opéra comique et trois de comédie, sans compter les petits théâtres particuliers et les théâtres de marionnettes dans les palais, les théâtres ambulants à tréteaux sur les places. »[10]

Venise a vu naître Carlos Goldoni, mais elle a aussi assisté à l’ascension de la commedia dell’arte.  C’est dans cette ville que ce style de théâtre a eu le plus de succès.

Commedia dell’arte

L’origine de la Commedia dell’arte est nébuleuse.  Toutefois, les experts s’entendent pour dire que ce style de jeu est né aux alentours de 1528 en Italie.  La commedia dell’arte est alors un style de théâtre populaire.  Les troupes qui font des comédies adoptent rapidement cette façon de jouer ; il s’agit d’une interprétation masquée.  L’aspect comique de ces représentations repose principalement sur la gestuelle des personnages.

Le père de la commedia dell’arte est Ruzzante[11].  Il est le premier à avoir créé une pièce de théâtre, où chaque personnage s’exprimait dans un dialecte différent : «  À partir de là, chaque localité voulut avoir son propre caractère.  Les représentations eurent d’abord lieu sur des tréteaux, les acteurs improvisant leur texte à partir d’un canevas (scénario réglé d’avance).  Le comique était principalement gestuel (pitreries).  Dans la comédie improvisée, le discours est sans cesse renouvelé, les acteurs s’inspirant de la situation dramatique, des circonstances de temps et de lieu, faisaient de la pièce qu’ils représentaient une œuvre changeante, incessamment rajeunie.  Quant aux types comiques, ce sont les mêmes que ceux de la comédie italienne : ses masques et ses bouffons s’y retrouvent.  Il y a d’abord les quatre types principaux : Pantalon, le Docteur, le Capitan, et les zannis ou valets, avec leurs variétés de fourbes ou d’imbéciles, d’intrigants ou de poltrons; puis les amoureux, les Horace, les Isabelle; enfin les suivantes, comme Francisquine, ou Zerbinette.  Certains personnages étaient obligatoires. »[12]Chacun des personnages a une attitude physique bien définie.  Ce qui fait que tous les acteurs de commedia dell’arte doivent tous être en bonne forme physique.  Certains personnages, comme Arlequin, usent d’acrobaties et de pirouettes à tout moment lors de spectacles. Les représentations de commedia dell’arte sont improvisées seulement en partie.   Les acteurs travaillent habituellement avec un canevas de base.  Un canevas, c’est la trame de fond d’un spectacle de théâtre.  Un canevas est formé des actions principales qui elles, nourrissent l’intrigue de la pièce.  En plus de connaître les « grandes lignes » de leurs spectacles, les acteurs de commedia dell’arte possèdent une banque impressionnante de donnée de toutes sortes.  Chacun d’eux se munit, la mémoire de petites parties de texte préalablement apprît.  Tous connaissent bien leur personnage, et ainsi, tous savent quels comportements adoptés en relation avec leurs aptitudes personnelles.  C’est de cette façon que chacun apprend des : « sentences, concetti, déclarations d’amour, reproches, désespoirs et délires, afin de les avoir tout prêts à l’occasion, et leurs études sont en rapport avec les mœurs et les habitudes des personnages qu’ils représentent. »    [13]

En étant si habilement conçu, il devient très facile de reconnaître sur scène les principaux personnages de la commedia dell’arte.

D’abord, il y a Pantalon.  Cet homme est un être avare et vieux.  Toutefois, il est malicieux.  Il peut parfois reprendre de sa vigueur d’antan afin de se transformer en personnage méchant et ambitieux.  Il a l’habitude de vouloir séduire les jeunes filles.  Pour ce faire, il emprunte une attitude solennelle.  Pantalon a un valet qui se nomme Arlequin.  Ce dernier réussit toujours à se jouer de son maître.  Ce qui fait de Pantalon un homme plutôt rancunier.  Même s’il ne s’agit pas de son valet, Pantalon se fait toujours « avoir » par quelques uns autour de lui.  Bref, on peut dire qu’il est facilement dupé. (Annexe 2)                                                      

On ne peut parler de Pantalon, sans s’attarder à Arlequin.  En plus d’être le valet de Pantalon, il est l’un des personnages les plus populaires de la commedia dell’arte.  Il est un homme vif, rusé, « ratoureux » et immoral par moment.  Il est un grand optimiste.  Il fera toujours tout ce qu’il peut pour trouver la solution au problème qui lui est posé.  Il aime s’amuser et par conséquent, il prend un malin plaisir à courtiser les jeunes femmes.  En leur compagnie, il sait se transformer en un être charmant et fidèle. (Annexe 3)

Quant à lui, le Docteur peut être à la fois le rival de Pantalon mais aussi son ami.  Il est gros et ignorant.  Toutefois, il tente de cacher son manque d’esprit en utilisant à profusion des termes latins au sein de ses discours.  Il parle énormément, mais souvent ces paroles ne veulent rien dire. (Annexe 4)

Dans le même ordre d’idée, le Capitaine est aussi un homme qui tente de donner une autre image de ce qui l’est vraiment.  Il est vantard et raconte à qui veut l’entendre ses récits de bagarres et de bravoure.  L’épée à la main, il essaie de séduire les femmes.  Derrière son torse bombé, se cache un véritable poltron.  D’ailleurs, ses récits sont souvent imaginaires.  Tous ces travers font du Capitaine une bonne victime pour les tours et attrapes d’Arlequin. (Annexe 5)

Polichinelle lui, est un personnage plus complexe.  Il est d’humeur changeante.  Il peut aussi bien jouer le gentil poète puis le méchant magistrat.  On se méfie toujours de lui.  De plus, il est très bavard.  Il ne sait pas garder un secret pour lui. (Annexe 6)

Évidemment, il y a d’autres personnages au sein de la commedia dell’arte.  Toutefois, en ce qui concerne les personnages énumérés précédemment, il primordial de savoir que chacun d’eux, sauf le capitaine, est interprété à l’aide d’un masque. (Annexe7)

Les Masques

Pour un acteur de commedia dell’arte, le masque est un outil indispensable.  Les spectateurs peuvent reconnaître chacun des personnages seulement en voyant le masque qui leur est associé.  L’acteur doit donc être à l’aise de jouer tout en étant masqué.  Pour ce faire, les matériaux utilisés pour la fabrication des masques sont importants. 

Le métier de fabricant de masques est très ancien.  De nos jours, tout comme autrefois, on préconise les masques en cuir naturel.  C’est le matériel utilisé le plus fréquemment pour des masques de type commedia.  Ces masques peuvent par la suite être enduits de vernis ou de teinture afin de donner un certain caractère ou genre au masque.  On peut aussi ajouter des éléments décoratifs comme des plumes, des bijoux, ou tout simplement des poils.  C’est d’ailleurs ce qui est utilisé pour faire la barbe de Pantalon. Tous les masques, qu’ils soient de latex, résine, papier, sont souvent créés grâce à des moules représentant chacun des masques. 

Pour conclure, bien que Goldoni ait tenté une brève carrière de juriste, sa passion pour le théâtre vient rapidement éclipser tout le reste.  Il rêve d’une réforme dans le domaine de la comédie ; une révolution comique.  Petit à petit, il délaisse les pièces à canevas propre à la commedia dell’arte, pour enfin créer de véritables comédies de caractère écrites de bout en bout.  La Locandiera est une des pièces écrites par Goldoni qui correspond tout à fait à ses nouveaux idéaux de comédie, dites à l’italienne.  Dans cette œuvre, Mirandoline est très importante pour Goldoni : « Elle incarne le charme et la vivacité de la pièce, et aussi une nouvelle conception de la vie […] qui, cette fois, ne repose pas uniquement sur le mariage.  Les héroïnes de Goldoni annoncent l’émancipation et le réveil de la femme : elle a une situation sociale, sait diriger les affaires et prend en main son avenir. » [14]  Le masque et le jeu acrobatique sont abolis au sein de ses pièces, Goldoni peut maintenant offrir à ses acteurs des possibilités d’interprétation plus raffinée et moins brute.  Évidemment, Goldoni n’a pas que des amis.  Gozzi, son rival tente de détruire sa carrière d’auteur et surtout de ridiculiser sa révolution comique…  Encore aujourd’hui le talent et le génie de Goldoni sont reconnus à travers le monde.  Comme quoi, Gozzi n’a pas réussi à détruire totalement la réputation de son ennemi.  Certes, Goldoni a été le premier à remanier totalement la comédie, mais de nos jours ce genre de phénomène existe-t-il encore ?  Des auteurs comme Louis Saïa et Claude Meunier (Annexe pourraient-ils dans plusieurs décennies êtres considérés comme les pères de la révolution comique québécoise ?

Annexe 1

Images du théâtre Saint’Angelo de Venise.

http://pagesperso-orange.fr/jean-claude.brenac/VIVALDI.htm

 Consulté le novembre 26 novembre 2008

Annexe 2

Pantalon

Pantalon (1550,
par Maurice Sand)

Origine : Venise

Profession : Marchand

Symbolise : le pouvoir et la richesse de Venise, mais aussi l’amertume de sa chute.

Costume : D’origine vénitienne. Goldoni le décrit ainsi : « La robe noire et le bonnet de laine sont encore en usage à Venise, et le gilet rouge et la culotte coupée en caleçon, les bas rouges et les pantoufles, représentent au naturel l’habillement des premiers habitants des lagunes Adriatique; et la barbe, qui faisait la parure des hommes, dans ces siècles reculés, a été chargée et ridiculisée dans les derniers temps. » Pantalon était revêtu à l’origine d’un long manteau rouge, la zimara, qui devint noire, peut-être en signe de deuil quand Venise perdit le royaume de Nègrepont (ou d’Eubée) en 1470.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/pantalon.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 3

Arlequin

Arlequin (1671,
par
Maurice Sand)

Origine : Ville basse de Bergame (dont les habitants sont réputés pour leurs sottises).

Profession : Valet.

Symbolise : La fantaisie, le mouvement et la vie.

Arlecchino

Costume : Il porte un chapeau qui ne couvre pas complètement son crâne rasé.  Sa toque est ornée d’une queue de lièvre.  Son costume haut en couleur avait peut-être pour origine un vêtement misérable troué, couvert par divers morceaux de tissus.  Au XVIIe siècle, les loques deviennent des triangles bleus, verts et rouges, disposés symétriquement et bordés d’un galon jaune.  Il porte des chaussures plates, plus légères, lui permettant d’accomplir mille pirouettes et acrobaties.  Une bourse est attachée à sa ceinture, ainsi qu’une batte lui servant de gourdin, à la connotation souvent érotique.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/arlequin.html 

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 4

Le Docteur

Le Docteur

Origine : Bologne

Profession : Savant, homme de loi, médecin aux remèdes plus ou moins farfelus…

Le Docteur

Symbolise… : Le pouvoir intellectuel.

Costume : Une longue robe noire, comme les hommes savants de Bologne, qui révèle toutefois des chausses noires, une robe plus courte, noire également, lui tombant sur les genoux.  Il est coiffé d’une toque noire.  Plus tard, on le voit portant également une large fraise et un feutre extravagant.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/docteur.html

Consulté le  1 décembre 2008

Annexe 5

Le Capitaine Matamore

Il Capitan Spavento
(1577, par Maurice Sand)

Origine : Espagnol, Français, Italien ou Allemand.

Profession : Capitaine dans l’Armée de son pays.

Symbolise : La guerre.

Costume : Varie en fonction de son pays d’origine.  Espagnol, il est empanaché, porte une immense collerette, un large chapeau à plumes et de hautes bottes à revers, sans oublier son épée longue et relevée dangereusement.  À l’origine, il était composé également de buffles, d’une longue épée et d’un casque.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/matamore.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 6

Polichinelle

Polichinelle (1800,
par Maurice Sand)

Origine : Naples

Profession : Valet.

Symbolise : La fourberie

Costume : Il est vêtu d’une large blouse de toile blanche, serrée au dessus du ventre par une grosse ceinture de cuir, à laquelle un sabre en bois et une bourse sont attachés.  Son pantalon est également très large.  Son cou est orné d’une large collerette molle.  Il est coiffé d’une sorte de grande calotte blanche ou d’un haut bonnet sans bord.

Masque : Oui

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/polichinelle.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 7

Le masque d’Arlequin
par Wendy Gough

 Arlequin

Le masque d’Arlequin est noir et évoque facilement le visage d’un Africain…  Il évoque en réalité les charbonniers de Bergame (ville d’origine d’Arlequin, rappelons-le) au visage couvert de suie.  Son masque se compose d’un demi-masque et d’une mentonnière noire. Les sourcils et la barbe sont composés de longs poils noirs hérissés.  Le front et les sourcils sont très nettement arqués, renforçant les joues creusées du pauvre zanni, toujours affamé.  Les yeux, deux ronds minuscules, évoquent la ruse ou la gourmandise.  D’ailleurs, le champ de vision restreint par l’étroitesse de ces trous explique la démarche sautillante, par de rapides petits pas du personnage  Les acteurs, en effet, devaient pouvoir surveiller leurs pieds et éviter les obstacles.  Quant à la bosse sur son front, on peut supposer qu’il s’agit d’une ébauche de corne diabolique…  Mais peut-être s’agit-il tout simplement d’une verrue, d’une malformation de naissance ou encore d’un coup reçu sur la tête…

Polichinelle par
Jorge Anon

 Polichinelle

Le masque noir de Polichinelle évoque la laideur sans aller jusqu’à la monstruosité.  Des joues tombantes souvent couvertes de verrues, des collines de rides sur le front, un nez aquilin souligné parfois d’une moustache.  Comme Arlequin, il arbore non pas une, mais deux verrues sur le front…  Verrues ou cornes du diable ?

Pantalon par
Wendy Gough

 Pantalon

Ce qui fait la force du masque brun de Pantalon est sans aucun doute son nez aquilin et proéminent, tel le bec d’un rapace.  Il porte, en outre, de longues et fines moustaches grises, ainsi qu’une barbe blanche allongée en pointe au menton.  Ce qui produit d’ailleurs un effet comique lorsqu’il parle.

Le Docteur par
Antonio Fava

 Le Docteur

S’agit-il d’un masque, ou d’un morceau de masque ?  En effet, celui-ci ne couvre que le front et le nez du personnage.  Les joues sont souvent peintes de couleur bordeaux… révélant l’un des vices cachés d’un Docteur « biberonneur ».

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/masques.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 8

Claude Meunier et Louis Saia

Toutefois, pendant ses études universitaires, Claude Meunier tâte aussi l’écriture et il rédige Le Party plate, qui est en quelque sorte l’ancêtre direct de la pièce : Les Voisins.  Le texte intégral se retrouve au début du 2e acte.  « À l’origine, se rappelle Claude Meunier, ce court texte faisait partie d’un spectacle intitulé : Les 24 heures de la rue Sainte-Catherine, présenté au théâtre du Gésu, au début des années 70.  À cette époque, deux groupes s’étaient formés, l’un appelé La Quenouille Bleue et l’autre, sans nom, au sein duquel se trouvaient Louis Saia et moi-même afin de monter un nouveau spectacle qui n’a finalement jamais été présenté.  Toutefois, comme le hasard fait souvent bien les choses, les musiciens qui collaboraient à ce projet se sont bientôt fait connaître.  Les uns, issus de La Quenouille Bleue, vont devenir Beau Dommage, et les autres Harmonium. »

«La grande force de Louis Saia, précise Claude Meunier, c’est de structurer une bonne histoire et de développer les caractères des personnages alors que la mienne repose sur le sens du dialogue. Ensemble, nous avons trouvé une excellente complémentarité.»

Cette complémentarité, ils vont la mettre en pratique en travaillant en étroite collaboration pendant la majeure partie des années 70 et 80.  Ensemble, ils vont écrire le scénario d’un court métrage de fiction intitulé : Voyage de nuit, ainsi que les textes des pièces :Appelez-moi Stéphane et Les Voisins.  Ils vont participer, en 1979, à la rédaction du grand succès québécois Broue.  À propos de ces deux dernières pièces, Claude Meunier se rappelle que «Jean Duceppe, qui était allé voir une des premières représentations de la pièce Broue au Théâtre des Voyagements, va ensuite décider de la produire au Théâtre Port-Royal de la Place des Arts.  C’est encore lui, quelque temps plus tard, qui va nous commander, à Louis et moi, la pièce Les Voisins, qui sera ensuite créée au même endroit en 1980.»

Pendant les années 70, Claude Meunier fait aussi partie de divers groupes.  Il y a d’abord Les Frères Brother en 1973, prédécesseurs des 6 Bols, en 1974-1975, groupe avec lequel il participe à la rédaction de La Fricassée, série télévisée pour enfants, et de la pièce à sketches Les Nerfs à l’air.  Puis viennent Paul et Paul, où l’on retrouve, outre Claude Meunier, Jacques Grisé et Serge Thériault avec lesquels il participera à trois spectacles présentés à Montréal et en tournée de 1976 à 1981.  «C’est comme les poupées russes. Des Frères Brother sont sortis Les 6 Bols qui eux-mêmes recelaient Paul et Paul, puis Ding et Dong» ajoute Claude Meunier.

De son côté, pendant cette même période, Louis Saia écrit pour le théâtre, en collaboration avec Louise Roy, Une amie d’enfance (1976), Ida Lachance (1978) et Bachelor (1979).

Au cours des années 80, Louis Saia participe avec Claude Meunier à la rédaction des textes et assure la mise en scène des spectacles de Ding et Dong mettant en vedette Serge Thériault et Claude Meunier.

Au début des années 90, peu après leur collaboration à la conception de la télésérie La Petite Vie, Claude Meunier et Louis Saia prennent des routes différentes, compte tenu de leurs occupations respectives.  Louis Saia prépare alors le scénario du film Le Sphinx, dont il assurera la réalisation, et qui sera suivi des films Les Boys I, II et III ; pour la télévision.  Il rédige les scénarios de la série Histoires de filles pendant que Claude Meunier se consacre à la rédaction des textes de La Petite Vie.

http://www.duceppe.com/bio/bio.asp?IDpiece=15&IDauacmet=87&IDOrdre=5  Consulté le 3 décembre 2008

Annexe 1

Images du théâtre Saint’Angelo de Venise.

http://pagesperso-orange.fr/jean-claude.brenac/VIVALDI.htm

 Consulté le novembre 26 novembre 2008

Annexe 2

Pantalon

Pantalon (1550,
par Maurice Sand)

Origine : Venise

Profession : Marchand

Symbolise : le pouvoir et la richesse de Venise, mais aussi l’amertume de sa chute.

Costume : D’origine vénitienne. Goldoni le décrit ainsi : « La robe noire et le bonnet de laine sont encore en usage à Venise, et le gilet rouge et la culotte coupée en caleçon, les bas rouges et les pantoufles, représentent au naturel l’habillement des premiers habitants des lagunes Adriatique; et la barbe, qui faisait la parure des hommes, dans ces siècles reculés, a été chargée et ridiculisée dans les derniers temps. » Pantalon était revêtu à l’origine d’un long manteau rouge, la zimara, qui devint noire, peut-être en signe de deuil quand Venise perdit le royaume de Nègrepont (ou d’Eubée) en 1470.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/pantalon.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 3

Arlequin

Arlequin (1671,
par
Maurice Sand)

Origine : Ville basse de Bergame (dont les habitants sont réputés pour leurs sottises).

Profession : Valet.

Symbolise : La fantaisie, le mouvement et la vie.

Arlecchino

Costume : Il porte un chapeau qui ne couvre pas complètement son crâne rasé.  Sa toque est ornée d’une queue de lièvre.  Son costume haut en couleur avait peut-être pour origine un vêtement misérable troué, couvert par divers morceaux de tissus.  Au XVIIe siècle, les loques deviennent des triangles bleus, verts et rouges, disposés symétriquement et bordés d’un galon jaune.  Il porte des chaussures plates, plus légères, lui permettant d’accomplir mille pirouettes et acrobaties.  Une bourse est attachée à sa ceinture, ainsi qu’une batte lui servant de gourdin, à la connotation souvent érotique.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/arlequin.html 

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 4

Le Docteur

Le Docteur

Origine : Bologne

Profession : Savant, homme de loi, médecin aux remèdes plus ou moins farfelus…

Le Docteur

Symbolise… : Le pouvoir intellectuel.

Costume : Une longue robe noire, comme les hommes savants de Bologne, qui révèle toutefois des chausses noires, une robe plus courte, noire également, lui tombant sur les genoux.  Il est coiffé d’une toque noire.  Plus tard, on le voit portant également une large fraise et un feutre extravagant.

Masque : Oui.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/docteur.html

Consulté le  1 décembre 2008

Annexe 5

Le Capitaine Matamore

Il Capitan Spavento
(1577, par Maurice Sand)

Origine : Espagnol, Français, Italien ou Allemand.

Profession : Capitaine dans l’Armée de son pays.

Symbolise : La guerre.

Costume : Varie en fonction de son pays d’origine.  Espagnol, il est empanaché, porte une immense collerette, un large chapeau à plumes et de hautes bottes à revers, sans oublier son épée longue et relevée dangereusement.  À l’origine, il était composé également de buffles, d’une longue épée et d’un casque.

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/matamore.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 6

Polichinelle

Polichinelle (1800,
par Maurice Sand)

Origine : Naples

Profession : Valet.

Symbolise : La fourberie

Costume : Il est vêtu d’une large blouse de toile blanche, serrée au dessus du ventre par une grosse ceinture de cuir, à laquelle un sabre en bois et une bourse sont attachés.  Son pantalon est également très large.  Son cou est orné d’une large collerette molle.  Il est coiffé d’une sorte de grande calotte blanche ou d’un haut bonnet sans bord.

Masque : Oui

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/polichinelle.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 7

Le masque d’Arlequin
par Wendy Gough

 Arlequin

Le masque d’Arlequin est noir et évoque facilement le visage d’un Africain…  Il évoque en réalité les charbonniers de Bergame (ville d’origine d’Arlequin, rappelons-le) au visage couvert de suie.  Son masque se compose d’un demi-masque et d’une mentonnière noire. Les sourcils et la barbe sont composés de longs poils noirs hérissés.  Le front et les sourcils sont très nettement arqués, renforçant les joues creusées du pauvre zanni, toujours affamé.  Les yeux, deux ronds minuscules, évoquent la ruse ou la gourmandise.  D’ailleurs, le champ de vision restreint par l’étroitesse de ces trous explique la démarche sautillante, par de rapides petits pas du personnage  Les acteurs, en effet, devaient pouvoir surveiller leurs pieds et éviter les obstacles.  Quant à la bosse sur son front, on peut supposer qu’il s’agit d’une ébauche de corne diabolique…  Mais peut-être s’agit-il tout simplement d’une verrue, d’une malformation de naissance ou encore d’un coup reçu sur la tête…

Polichinelle par
Jorge Anon

 Polichinelle

Le masque noir de Polichinelle évoque la laideur sans aller jusqu’à la monstruosité.  Des joues tombantes souvent couvertes de verrues, des collines de rides sur le front, un nez aquilin souligné parfois d’une moustache.  Comme Arlequin, il arbore non pas une, mais deux verrues sur le front…  Verrues ou cornes du diable ?

Pantalon par
Wendy Gough

 Pantalon

Ce qui fait la force du masque brun de Pantalon est sans aucun doute son nez aquilin et proéminent, tel le bec d’un rapace.  Il porte, en outre, de longues et fines moustaches grises, ainsi qu’une barbe blanche allongée en pointe au menton.  Ce qui produit d’ailleurs un effet comique lorsqu’il parle.

Le Docteur par
Antonio Fava

 Le Docteur

S’agit-il d’un masque, ou d’un morceau de masque ?  En effet, celui-ci ne couvre que le front et le nez du personnage.  Les joues sont souvent peintes de couleur bordeaux… révélant l’un des vices cachés d’un Docteur « biberonneur ».

http://paularbear.free.fr/commedia-dell-arte/heritage/masques.html

Consulté le 1 décembre 2008

Annexe 8

Claude Meunier et Louis Saia

À la fin des années 60, pendant que Louis Saia étudie à l’Option théâtre du cégep de Saint-Hyacinthe, Claude Meunier, de son côté, est inscrit à la faculté de droit de l’Université de Montréal.  Il sort d’ailleurs, en 1970, avec sa licence en poche avant de poursuivre de nouvelles études en criminologie, au cours de l’année suivante.  Ils ne se connaissent pas encore et rien ne semble alors les destiner à faire équipe.

Toutefois, pendant ses études universitaires, Claude Meunier tâte aussi l’écriture et il rédige Le Party plate, qui est en quelque sorte l’ancêtre direct de la pièce : Les Voisins.  Le texte intégral se retrouve au début du 2e acte.  « À l’origine, se rappelle Claude Meunier, ce court texte faisait partie d’un spectacle intitulé : Les 24 heures de la rue Sainte-Catherine, présenté au théâtre du Gésu, au début des années 70.  À cette époque, deux groupes s’étaient formés, l’un appelé La Quenouille Bleue et l’autre, sans nom, au sein duquel se trouvaient Louis Saia et moi-même afin de monter un nouveau spectacle qui n’a finalement jamais été présenté.  Toutefois, comme le hasard fait souvent bien les choses, les musiciens qui collaboraient à ce projet se sont bientôt fait connaître.  Les uns, issus de La Quenouille Bleue, vont devenir Beau Dommage, et les autres Harmonium. »

«La grande force de Louis Saia, précise Claude Meunier, c’est de structurer une bonne histoire et de développer les caractères des personnages alors que la mienne repose sur le sens du dialogue. Ensemble, nous avons trouvé une excellente complémentarité.»

Cette complémentarité, ils vont la mettre en pratique en travaillant en étroite collaboration pendant la majeure partie des années 70 et 80.  Ensemble, ils vont écrire le scénario d’un court métrage de fiction intitulé : Voyage de nuit, ainsi que les textes des pièces :Appelez-moi Stéphane et Les Voisins.  Ils vont participer, en 1979, à la rédaction du grand succès québécois Broue.  À propos de ces deux dernières pièces, Claude Meunier se rappelle que «Jean Duceppe, qui était allé voir une des premières représentations de la pièce Broue au Théâtre des Voyagements, va ensuite décider de la produire au Théâtre Port-Royal de la Place des Arts.  C’est encore lui, quelque temps plus tard, qui va nous commander, à Louis et moi, la pièce Les Voisins, qui sera ensuite créée au même endroit en 1980.»

Pendant les années 70, Claude Meunier fait aussi partie de divers groupes.  Il y a d’abord Les Frères Brother en 1973, prédécesseurs des 6 Bols, en 1974-1975, groupe avec lequel il participe à la rédaction de La Fricassée, série télévisée pour enfants, et de la pièce à sketches Les Nerfs à l’air.  Puis viennent Paul et Paul, où l’on retrouve, outre Claude Meunier, Jacques Grisé et Serge Thériault avec lesquels il participera à trois spectacles présentés à Montréal et en tournée de 1976 à 1981.  «C’est comme les poupées russes. Des Frères Brother sont sortis Les 6 Bols qui eux-mêmes recelaient Paul et Paul, puis Ding et Dong» ajoute Claude Meunier.

De son côté, pendant cette même période, Louis Saia écrit pour le théâtre, en collaboration avec Louise Roy, Une amie d’enfance (1976), Ida Lachance (1978) et Bachelor (1979).

Au cours des années 80, Louis Saia participe avec Claude Meunier à la rédaction des textes et assure la mise en scène des spectacles de Ding et Dong mettant en vedette Serge Thériault et Claude Meunier.

Au début des années 90, peu après leur collaboration à la conception de la télésérie La Petite Vie, Claude Meunier et Louis Saia prennent des routes différentes, compte tenu de leurs occupations respectives.  Louis Saia prépare alors le scénario du film Le Sphinx, dont il assurera la réalisation, et qui sera suivi des films Les Boys I, II et III ; pour la télévision.  Il rédige les scénarios de la série Histoires de filles pendant que Claude Meunier se consacre à la rédaction des textes de La Petite Vie.

http://www.duceppe.com/bio/bio.asp?IDpiece=15&IDauacmet=87&IDOrdre=5  Consulté le 3 décembre 2008

L’origine de la Commedia dell’arte est nébuleuse.  Toutefois, les experts s’entendent pour dire que ce style de jeu est né aux alentours de 1528 en Italie.  La commedia dell’arte est alors un style de théâtre populaire.  Les troupes qui font des comédies adoptent rapidement cette façon de jouer ; il s’agit d’une interprétation masquée.  L’aspect comique de ces représentations repose principalement sur la gestuelle des personnages.

Le père de la commedia dell’arte est Ruzzante[1].  Il est le premier à avoir créé une pièce de théâtre, où chaque personnage s’exprimait dans un dialecte différent : «  À partir de là, chaque localité voulut avoir son propre caractère.  Les représentations eurent d’abord lieu sur des tréteaux, les acteurs improvisant leur texte à partir d’un canevas (scénario réglé d’avance).  Le comique était principalement gestuel (pitreries).  Dans la comédie improvisée, le discours est sans cesse renouvelé, les acteurs s’inspirant de la situation dramatique, des circonstances de temps et de lieu, faisaient de la pièce qu’ils représentaient une œuvre changeante, incessamment rajeunie.  Quant aux types comiques, ce sont les mêmes que ceux de la comédie italienne : ses masques et ses bouffons s’y retrouvent.  Il y a d’abord les quatre types principaux : Pantalon, le Docteur, le Capitan, et les zannis ou valets, avec leurs variétés de fourbes ou d’imbéciles, d’intrigants ou de poltrons; puis les amoureux, les Horace, les Isabelle; enfin les suivantes, comme Francisquine, ou Zerbinette.  Certains personnages étaient obligatoires. »[2]Chacun des personnages a une attitude physique bien définie.  Ce qui fait que tous les acteurs de commedia dell’arte doivent tous être en bonne forme physique.  Certains personnages, comme Arlequin, usent d’acrobaties et de pirouettes à tout moment lors de spectacles. Les représentations de commedia dell’arte sont improvisées seulement en partie.   Les acteurs travaillent habituellement avec un canevas de base.  Un canevas, c’est la trame de fond d’un spectacle de théâtre.  Un canevas est formé des actions principales qui elles, nourrissent l’intrigue de la pièce.  En plus de connaître les « grandes lignes » de leurs spectacles, les acteurs de commedia dell’arte possèdent une banque impressionnante de donnée de toutes sortes.  Chacun d’eux se munit, la mémoire de petites parties de texte préalablement apprît.  Tous connaissent bien leur personnage, et ainsi, tous savent quels comportements adoptés en relation avec leurs aptitudes personnelles.  C’est de cette façon que chacun apprend des : « sentences, concetti, déclarations d’amour, reproches, désespoirs et délires, afin de les avoir tout prêts à l’occasion, et leurs études sont en rapport avec les mœurs et les habitudes des personnages qu’ils représentent. »    [3]

En étant si habilement conçu, il devient très facile de reconnaître sur scène les principaux personnages de la commedia dell’arte.

D’abord, il y a Pantalon.  Cet homme est un être avare et vieux.  Toutefois, il est malicieux.  Il peut parfois reprendre de sa vigueur d’antan afin de se transformer en personnage méchant et ambitieux.  Il a l’habitude de vouloir séduire les jeunes filles.  Pour ce faire, il emprunte une attitude solennelle.  Pantalon a un valet qui se nomme Arlequin.  Ce dernier réussit toujours à se jouer de son maître.  Ce qui fait de Pantalon un homme plutôt rancunier.  Même s’il ne s’agit pas de son valet, Pantalon se fait toujours « avoir » par quelques uns autour de lui.  Bref, on peut dire qu’il est facilement dupé. (Annexe 2)                                                      

On ne peut parler de Pantalon, sans s’attarder à Arlequin.  En plus d’être le valet de Pantalon, il est l’un des personnages les plus populaires de la commedia dell’arte.  Il est un homme vif, rusé, « ratoureux » et immoral par moment.  Il est un grand optimiste.  Il fera toujours tout ce qu’il peut pour trouver la solution au problème qui lui est posé.  Il aime s’amuser et par conséquent, il prend un malin plaisir à courtiser les jeunes femmes.  En leur compagnie, il sait se transformer en un être charmant et fidèle. (Annexe 3)

Quant à lui, le Docteur peut être à la fois le rival de Pantalon mais aussi son ami.  Il est gros et ignorant.  Toutefois, il tente de cacher son manque d’esprit en utilisant à profusion des termes latins au sein de ses discours.  Il parle énormément, mais souvent ces paroles ne veulent rien dire. (Annexe 4)

Dans le même ordre d’idée, le Capitaine est aussi un homme qui tente de donner une autre image de ce qui l’est vraiment.  Il est vantard et raconte à qui veut l’entendre ses récits de bagarres et de bravoure.  L’épée à la main, il essaie de séduire les femmes.  Derrière son torse bombé, se cache un véritable poltron.  D’ailleurs, ses récits sont souvent imaginaires.  Tous ces travers font du Capitaine une bonne victime pour les tours et attrapes d’Arlequin. (Annexe 5)

Polichinelle lui, est un personnage plus complexe.  Il est d’humeur changeante.  Il peut aussi bien jouer le gentil poète puis le méchant magistrat.  On se méfie toujours de lui.  De plus, il est très bavard.  Il ne sait pas garder un secret pour lui. (Annexe 6)

Évidemment, il y a d’autres personnages au sein de la commedia dell’arte.  Toutefois, en ce qui concerne les personnages énumérés précédemment, il primordial de savoir que chacun d’eux, sauf le capitaine, est interprété à l’aide d’un masque. (Annexe7)

Les Masques

Pour un acteur de commedia dell’arte, le masque est un outil indispensable.  Les spectateurs peuvent reconnaître chacun des personnages seulement en voyant le masque qui leur est associé.  L’acteur doit donc être à l’aise de jouer tout en étant masqué.  Pour ce faire, les matériaux utilisés pour la fabrication des masques sont importants. 

Le métier de fabricant de masques est très ancien.  De nos jours, tout comme autrefois, on préconise les masques en cuir naturel.  C’est le matériel utilisé le plus fréquemment pour des masques de type commedia.  Ces masques peuvent par la suite être enduits de vernis ou de teinture afin de donner un certain caractère ou genre au masque.  On peut aussi ajouter des éléments décoratifs comme des plumes, des bijoux, ou tout simplement des poils.  C’est d’ailleurs ce qui est utilisé pour faire la barbe de Pantalon. Tous les masques, qu’ils soient de latex, résine, papier, sont souvent créés grâce à des moules représentant chacun des masques. 

Pour conclure, bien que Goldoni ait tenté une brève carrière de juriste, sa passion pour le théâtre vient rapidement éclipser tout le reste.  Il rêve d’une réforme dans le domaine de la comédie ; une révolution comique.  Petit à petit, il délaisse les pièces à canevas propre à la commedia dell’arte, pour enfin créer de véritables comédies de caractère écrites de bout en bout.  La Locandiera est une des pièces écrites par Goldoni qui correspond tout à fait à ses nouveaux idéaux de comédie, dites à l’italienne.  Dans cette œuvre, Mirandoline est très importante pour Goldoni : « Elle incarne le charme et la vivacité de la pièce, et aussi une nouvelle conception de la vie […] qui, cette fois, ne repose pas uniquement sur le mariage.  Les héroïnes de Goldoni annoncent l’émancipation et le réveil de la femme : elle a une situation sociale, sait diriger les affaires et prend en main son avenir. » [4]  Le masque et le jeu acrobatique sont abolis au sein de ses pièces, Goldoni peut maintenant offrir à ses acteurs des possibilités d’interprétation plus raffinée et moins brute.  Évidemment, Goldoni n’a pas que des amis.  Gozzi, son rival tente de détruire sa carrière d’auteur et surtout de ridiculiser sa révolution comique…  Encore aujourd’hui le talent et le génie de Goldoni sont reconnus à travers le monde.  Comme quoi, Gozzi n’a pas réussi à détruire totalement la réputation de son ennemi.  Certes, Goldoni a été le premier à remanier totalement la comédie, mais de nos jours ce genre de phénomène existe-t-il encore ?  Des auteurs comme Louis Saïa et Claude Meunier (Annexe pourraient-ils dans plusieurs décennies êtres considérés comme les pères de la révolution comique québécoise ?

Mais tout n’est pas toujous tout beau dans le meilleur des mondes … moi et ma chère coloc aux beaux, mais gros yeux, Véro, faissions la vaisselle …puis ca y est !!! Plus de savon.  Au moment même où j’écris ces quelques mots, mais mains sont encore toutes humides et surtout ébranlé par ce qui est c’est passé.  Depuis septembre, nous utilisions le même savon; conçu pour garder les mains douces … mais voilà nous devons maintenant utilisé l’autre bouteille à la senteur de citron, il est aussi un puissant dégraissant figurez vous !  Mais mon dieu qu’elle surprise de sentir cette douce arôme caresser notre vaiselle ! J’en étais euuuu comment dire, presque émoustiller, parceque comme tout le monde le sait, le citron a des pouvoirs magiques sur les filles aux cheuveux naturellement frisé !!! Malheureusement, la magie n’a pas opérée immédiatement puisque notre évier à sembler vouloir se boucher ! Douleur Amère ! Grâce à un manche de spatule j’ai pu zigoner l’trou comme on dit.  Pis ben voilà … il a tout bu le gourmand ! Citron de ma vie, quand tu me tiens, je crois pouvoir déplacer les montagnes mais surtout terminé les recherches du cours de blogue !

            P.S.      Il a beau être dégraissant le savon, il assèche les mains, je vais aller mettre de la crème …

Il y a longtemps que je n’ai pas parlé de la nourriture que j’ingurgite.  Je tiens a vous dire, chers lecteurs, je vous parlerai sûrement de mon souper tout à l’heure … Donc soyez patient ! Pour vous titiller un brin, sachez que je devrais manger du poisson !! Et là je ne parle pas de vulgaire thon comme on peut en trouver au kilo, je parle plutot de poisson aimant la vie et terminant ses jours dans mon estomac ! Honnêtement, mon estomac est un endroit immensément confortable.  Vite, on s’y plait et on veut y retourner encore et encore.

                                        Au plaisir de vous le faire visiter… si je me transforme en méchant loup affamé, gare à vous !!! Ahouuuu houuuu !!!

P.S. J’ai des beignets sur le feu … je vais aller voir à ca !

Biographie – Carlo Goldoni

Goldoni est né en 1707 à Venise, qui est une ville de l’Italie.

Dès son jeune âge, on lui décèle un tempérament joyeux et paisible.  Il semble avoir un certain intérêt pour la lecture.  D’ailleurs il porte même une attention particulière aux auteurs dramatiques.  Toutes ces lectures, amenèrent Goldoni à écrire sa première pièce de théâtre à l’âge de 9 ans.  Il s’agissait d’une petite comédie destiné au théâtre de marionnettes.

En 1719, Goldoni fréquente un collège dirigé par des Jésuites.  Par la suite, il alla étudier la philosophie chez les prêtes dominicains.  Toutefois, c’est là-bas, qu’après seulement deux ans d’études, il quitta le collège afin de s’enfuir avec une troupe de théâtre amateur qui si dirigeait vers la ville de Choggia.  Goldoni, avait l’intention d’aller rejoindre sa mère qui habitait à cet endroit.

Grâce à l’aide de l’un de ses oncles, Goldoni fait un retour aux études.  Il étudie la jurisprudence à l’université de Pavie.  Il fut expulsé du collège pour avoir écrit une satire parlant des femmes de Pavie.  Il s’agissait de la pièce Le Colosse.

Les années succédèrent et Goldoni changeait constamment d’emploi.  Pendant les 40 premières années de sa vie il eut l’occasion de pratique plusieurs métiers : fonctionnaire de la justice criminelle, avocat à Pise, consul de Venise à Gênes et bien sur directeur de théâtre.  Durant cette longue période de sa vie, Goldoni écrivait très peu et voyageait beaucoup.

Puis finalement, le vent tourna.  Il rencontra un homme nommé Medebac, cet homme était le directeur du théâtre Saint’Angelo de Venise.  Il proposa à Goldoni de devenir l’auteur officiel de la troupe de comédien jouant dans son propre théâtre.  Goldoni saisit cette chance afin de pouvoir enfin s’adonner à son véritable destin : devenir un véritable auteur dramatique.  En acceptant la proposition de Medebac, cela permit aussi à Goldoni d’abandonner son mode de vie plutôt nomade.  En ayant maintenant tout son temps pour écrire, Goldoni écrivit à un rythme effréné.  En 20 ans, il a produit plus de 220 pièces de théâtres.  De plus, la plus part d’entre-elles sont de véritable petit chef d’œuvre.

En écrivant autant, Goldoni avait découvert son véritable genre d’écriture.  Il s’agissait de la comédie : Ses pièces, purgées des traditionnelles grossièretés, se plaisent à caricaturer la vie quotidienne vénitienne.

On ne passer sous silence le fait que Goldoni se soit grandement inspiré de la commedia dell’arte afin de nourrir son art.  C’est ainsi que lorsqu’est créer la pièce Arlequin serviteur de deux maîtres, en 1745, on reconnait inévitablement le fameux personnage masqué, habituellement mais aussi traditionnellement associé à la Commedia dell’arte.

Mais Goldoni désirait pousser l’art de la comédie à de nouveaux sommets, encore jamais vu en Italie.  Il ne voulait pas seulement écrire des pièces de théâtres influencé par des canevas de commedia dell’arte.  Par le fait même, il voulait pousser plus loin le jeu des comédiens.  Il ne voulait pas que les acteurs fassent rire le public que par le jeu très physique et quasi acrobatique par moment.  En fait, ce qu’il voulait c’était faire de la comédie Italienne un nouveau genre de théâtre ouvertement inspiré de la comédie française du XVII è siècle.

Pour Goldoni, Molière était une grande source d’inspiration.  Il voulait, par sa révolution comique, se rapprocher d’un style égalant celui de Molière.  C’est ainsi que : d’abord fidèle à la tradition, Goldoni va petit à petit parvenir à supplanter les pièces à canevas par des pièces écrites de bout en bout, retirant les masques des acteurs et composant de véritables « comédies de caractère.  Soit dit en passant, il publia même en 1750 une pièce de théâtre intitulé Il teatro comico.  Cette pièce exposait les idées principales que chérissait Goldoni dans sa fameuse réforme théâtrale.  En fait, les spectateurs qui assistaient à cette pièce de théâtre pouvaient observer et même découvrir les tensions que pouvait vivre des comédiens en répétions.  On y retrouvait deux types des personnages, les comédiens partisans de la révolution comique de Goldoni, et les autres, les comédiens qui restaient attaché aux vieilles méthodes anciennement utiliser en comédie.

Par la suite, Goldoni eut beaucoup de succès.  Ses pièces étaient remarquées et faisaient beaucoup parlé… Malheureusement, certaines personnes avaient plutôt une mauvaise opinion de Goldoni.  C’est d’ailleurs pour cette raison que le nom de Carlo Goldoni est souvent associé à une vieille chicane le reliant à Carlo Gozzi.

 Le comte Carlo Gozzi, est né la même année que Goldoni.  Il est lui aussi italien, mais surtout, et tout comme Goldoni, auteur dramatique et homme de lettres.  Gozzi faisait tout en son pouvoir pour ternir l’image de Goldoni.  Il dénigrait sans aucune pudeur toutes les œuvres que Goldoni avait écrits.  Selon lui, Goldoni et sa révolution comique, allait peu à peu ternir l’image du théâtre qui sévissait en Italie depuis plus de 3 siècles.  À ses yeux, il était inconcevable qu’un auteur puisse venir abolir ce à quoi toute une société s’associait depuis si longtemps.  Les traditions devaient durées et surtout résisté à la réforme de Goldoni.

Pour se faire, il voulu séduire le public, et prouver que les représentations que donnait la troupe de Goldoni était tout à fait inintéressante.  Pour ce faire, il décida de mettre en scène de vieux contes populaires.  De plus, les comédiens pratiquant le jeu masqué étaient presque tous libre.  Goldoni avait aboli ce type de jeu dans ces pièces de théâtre.  Gozzi en profita donc pour aller chercher les meilleurs et les faire jouer dans ses différents spectacles.  C’est la pièce L’amour des trois oranges, qui donna de la crédibilité à Gozzi.  La représentation qu’il en fit avec les acteurs de la troupe Sacchi fut un véritable succès.  Les comédiens y étaient excellant et jouait comme on le faisait dans les comédies italiennes anciennes, soit avec un style commedia dell’arte et en portant le masque.  À  partir de ce jour, il commence une guerre acharné entre les deux auteurs.  Chacun de leur côté, ils tentaient de prouver que leur style était le meilleur.  Il y était sans cesse question de valeur linguistique et de valeur théâtrale traditionnelle.

Il va sans dire que cette petite guerre d’opinion était très éreintante.  Étant épuisé de tout ce tapage et surtout excédé de cette rivalité entre lui et Gozzi, Goldoni trouva le réconfort en acceptant une invitation.  Celle-ci consistait à aller soutenir la comédie italienne qui œuvrait dans Paris.  La comédie Italienne étant en mauvaise posture là-bas, il décida d’accepter.  Il part donc en France laissant tout derrière lui, surtout les malentendus avec Gozzi.  Il resta pendant deux auprès de la comédie italienne.  Par la suite, il a obtenu un poste de professeur d’italien à la cour du roi Louis XV.  À cette époque il commença à écrire en français.  D’ailleurs la pièce Le Bourru  bienfaisant fut rédigée dans la langue de Molière.  Elle reçut un succès tardif mais certain.  Puis, c’est finalement en 1787 que Goldoni commença la rédaction des ses propres mémoires.  Ces dernières ont été rédigées en trois volumes, ou Goldoni manifeste clairement une grande gratitude envers la France.  Il fait d’ailleurs une dédicace au roi pour le remercier de l’avoir accueilli à la cour.

Malheureusement pour lui, en 1792 l’assemblée législative prend comme décision d’abolir toute les pensions de la cour royale.  La révolution française est bel et bien installée.  Déjà très malade et ayant terminé la rédaction des ses mémoires, Goldoni n’a plus aucune aspiration.  Étant un octogénaire sans le sous, il mourut dans un pauvre petit appartement miséreux en février 1793.  

Deux des plus grandes œuvres que nous a laissé Goldoni sont La villégiature  et dans le cas qui nous intéresse La Locandiera.

Merci à tout ceux qui m’ont supporté dans ce travail !!!

Je veux tout de même faire une petite précision … Sylvain, je ne sais pas ce qui se passe mais quand je “upload” ma présentation dans slideshare, certaines de mes dispositives se sont un transformés … en fait ce sont mes formes de coeurs qui se sont défaites … ma chanson de brigitte bardot et de serge gainsbourg ne fonctionne plus… toutefois, tout est parfait dans mon PowerPoint 2007 dans mon ordi …. enfin nous en reparlerons au prochain cours j’imagine.  Sinon j’ai aussi quelques problèmes à publier ma présentation sur mon blogue… du moins, voici le liens permettant de vous y rendre.  C’est pas mal ca qui est ça, je profite de la tribune qu’est mon blogue pour m’excuser auprès de monsieur Desjardins (un peu Jomphe) ainsi que ses invités.  Désolé de vous avoir dérangé juste avant votre dessert … j’ai tenter de vous retéléphoner mais plus de réponse, j’imagine que vous aviez prévu le coup et que vous aviez décider d’éteindre votre cellulaire … Enfin, sachez que je m’en sors et que PowerPoint ne viendra pas à bout d’Aubuchon aussi facilement que ça.

En espèrant qu’un jour quelqu’un puisse me dédier l’une de ses présentatiques … Ne suis-je pas un bon sujet ?